Darcus Beese OBE a gravi les échelons, de garçon de thé à président d'Island Records, en signant des artistes tels qu'Amy Winehouse, Taio Cruz, Florence + The Machine et Dizzee Rascal en cours de route.
Il l'a quitté en 2021 et a depuis lancé Darco Artist Partnerships, une société indépendante qui tente de repenser le modèle économique des majors, tout en conservant leurs principes séculaires de développement des artistes.
Beese a également publié un livre sur sa carrière : « Rebel With a Cause : Roots, Records and Revolutions ». Et il est l'invité du premier épisode de Be Unstoppable, un nouveau podcast lancé par Ben Wynter, le fondateur de Power Up !
Enregistrée dans le cadre de l'événement 'Industry Takeover' d'UD le mois dernier dans sa Talent House de l'Est de Londres, l'émission voit Beese parler de sa carrière ; son point de vue sur l'industrie musicale actuelle et son diagnostic de TDAH, entre autres sujets. Voici quelques faits saillants :
Sur la perturbation des grands labels
« L’écosystème des grandes maisons de disques est brisé. Ce n’est pas à l’épreuve du temps. La direction du voyage, surtout si les majors ne s'effondrent pas, amènent de nouveaux artistes sur le marché, elles deviennent simplement de grands distributeurs et elles vont acquérir des talents. Ils ne développeront pas le talent. Ce n'est pas leur affaire…
Majors, l'ancien accord typique est un partage 80-20. Ils vous donnent 20 % de royalties et gardent 80 % de votre merde. Ils possèdent 80 % de tout, n’est-ce pas ? Et le modèle de distribution prend 15 % pour distribuer votre musique, mais ne vous donne aucune aide pratique, ne vous offre aucun service. Vous devez découvrir cela par vous-même.
Et les managers, à mesure que le paysage évolue, doivent faire plus que jamais en termes de développement de leurs artistes, parce que les maisons de disques ne peuvent pas le faire et que les artistes mettent plus de temps à se développer de nos jours.
Et si vous travaillez dans le secteur du disque, vous n'avez aucun droit sur leurs autres activités. Vous essayez d'en obtenir de petits morceaux : vous appelleriez cela le 360. Donc vous concluez un contrat d'enregistrement et vous essayez d'obtenir un pourcentage de leur live, un pourcentage de leurs produits, un pourcentage de marque, mais une petite part de il.
Je pense que la direction que prend l'industrie est la suivante : quels services puis-je offrir, en partenariat avec un artiste et son manager, pour qu'ils puissent conserver la part du lion de leur offre et les commercialiser d'une manière numériquement native. je ne veux pas être juste dans les dossiers plus…
Rihanna gagne plus d’argent avec d’autres choses que la musique. La musique servira simplement de bande sonore à ce qu'elle fait. Les gens trouvent encore une profondeur dans la musique. La musique constitue toujours la bande sonore de nos vies, mais elle ne représente plus la grosse part du gâteau. En raison de l'économie d'attention, il perd une grosse part au profit des autres secteurs verticaux : les jeux, bla bla bla.
Alors plutôt que d’essayer d’en avoir une part, pourquoi ne pas simplement essayer d’en être la base du biscuit ? Donc, à chaque tranche que vous prenez, je suis aussi dans cette bouchée !
Je pense que c'est une question de partenariat. Je pense que c'est une question de justice et d'équité. Il faut de la transparence. Il doit y avoir une rupture dans ce que font les grands labels, et cela doit se faire avec des artistes qui se demandent : « comment puis-je conserver la majeure partie de ce que je fais, et comment puis-je continuer à réussir, et comment puis-je tu fais toujours le tour du monde ? Ou « comment puis-je construire une petite communauté, une communauté de chalets à développer ? »
Si la direction fait tout le travail que les labels ne peuvent pas faire, quel est le juste équilibre entre les grandes maisons de disques et le modèle de distribution ? Il y a un endroit idéal au milieu.
Sur les ambitions mondiales des artistes britanniques
« Tout le monde est célèbre sur Instagram et tout le monde est PDG de sa page Instagram, sans rien livrer. Je suis allé travailler en Amérique… et pendant que j'étais là-bas, tout était TikTok. Tout le monde faisait ces offres TikTok (pour les artistes qui ont percé sur cette application avec des succès viraux) et je ne pouvais tout simplement pas le faire. J'ai décidé que nous allions suivre un chemin différent.
Nous avons signé Sabrina Carpenter, nous avons signé Remi Wolf, nous avons signé ce gamin appelé Keshi et nous avons signé Baby Rose. Et c’était la liste des rendez-vous dans cinq ans. La mission est d'entrer en relation avec des artistes, de faire des disques, de vendre dans le monde entier. Il ne s'agit pas seulement de faire des disques, il ne s'agit pas seulement de venir, ce n'est pas seulement d'être bien. Il ne s’agit pas simplement de dire « c’est une ambiance »…
Je sais que la technologie évolue et change le système de diffusion, mais elle ne devrait pas changer la force de l'art ou l'ambition de votre musique pour pouvoir voyager au-delà du putain de M25 ! Et avoir une empreinte mondiale et placer la barre aussi haut que n’importe lequel de ces marchés émergents – Corée, Afrique – et réaliser des disques qui peuvent rivaliser.
Au cours des cinq dernières années, je ne sais pas quelle a été la puissance douce de notre (Grande-Bretagne) envers le reste du monde. Je ne sais pas quels artistes… ce serait intéressant de faire le tour de chacun de ces labels en ce moment et de regarder leurs rosters et de se demander : lesquels de ces artistes sont des artistes de carrière ? Sur lequel de ces artistes pariez-vous vraiment ? Parce qu’on ne peut pas parier sur tous…
(plus tard dans l'interview)
Je pense que les gens devraient penser beaucoup plus globalement lorsqu'ils font leur musique. Et si vous pensez globalement, cela signifie que vous ne faites pas de disques qui sonnent comme ils le sont en ce moment. Parce que vous allez vraiment devoir réfléchir : quand mes disques arriveront ailleurs, pourquoi les gens vont-ils être enthousiasmés ?
Je me souviens de l'époque où la musique britannique… Je voyageais en Amérique et ils me disaient « yo mec, ta musique là-bas est incroyable ». Mec, c'est malade ! Je ne comprends pas mec, mais vous êtes fous ! C'est putain d'incroyable !' Et je ne comprends plus ça. Je ne comprends plus ça. Et maintenant, tout le monde dans le monde a sa propre version de quoi que ce soit, que ce soit du hip-hop, un groupe de filles ou bla bla bla.
Les Coréens font maintenant la folie. L'Afrique fait maintenant la folie. Et nous étions de grands exportateurs d’art et de musique. C'est tout ce sur quoi je veux revenir… Si vous voulez que vos disques soient compétitifs sur un site de streaming international, il vaut mieux qu'ils soient aussi bons que la merde qui vient de Corée, d'Amérique, de Jamaïque ou d'Afrique, et ça doit être différent. »
Prendre le temps de laisser les grands artistes se développer
« Dans ce monde de bruit – et c’est du bruit – la qualité est primordiale. Je me fiche de ce que les autres disent : on le trouve. Cela pourrait prendre un peu plus de temps pour être trouvé…
Il y avait deux ou trois ans qu'un groupe ou un artiste était simplement autorisé à continuer son travail, sans pression, ni poussée, ni trouvé par un algorithme qui les montrait devant des gens pour ensuite les attirer. de simplement en profiter. Et tout d'un coup, les données font cela, et des gens d'A&R frappent à la porte et disent : « Je peux vous donner ça ».
Qu'est-ce qui s'est passé, bordel ?! À l’époque… enfin, pas à l’époque car certaines choses ne devraient pas changer. La construction d’une communauté a toujours été une construction communautaire. Avant, vous le faisiez simplement en diffusant de la musique et en sortant en live.
Le live était la mesure pour savoir si quelqu'un pouvait le couper. Avant, tu venais et les gens chantaient une bonne chanson, mais tu disais « mais ce connard ne sait pas chanter » et ça s'arrêtait là ! Dans la musique noire, on ne recrute pas des gens qui ne savent pas chanter. Mais à cause de la technologie, il y a (maintenant) des gens qui se baladent et qui ont juste une ambiance. Et ce n'est pas suffisant.
Il y a des gens qui me parlent et me jouent des trucs, et je dis « tu penses vraiment que c'est génial ? » Il faut être capable de regarder en arrière et de faire des comparaisons : comme l'album de Lauryn Hill ou Mary J. Blige (What's The) 411, ou SWV ou Beyoncé… Chaque fois que nous faisions des disques, il y avait toujours des comparables et la barre était haute.
Les disques ne concernaient pas Splice. Il ne s’agissait pas d’un double-piste : un chant et un accompagnement. Les gens ont fait des disques et des gens ont fait de l’art. Pour ce faire, vous devez être encadré. Il faut être inspiré. On n'apprend pas le jiu-jitsu sans un putain de sensei !…
Je veux juste revenir au point où l’on peut entendre que les gens s’en foutent, et tout ça. les gens ont passé du temps à découvrir qui ils sont. Parce que vous vivez dans ce monde où vous vous dites « eh bien, ils sont arrivés aussi vite ». Je ne sais pas ce que signifie y arriver aussi vite. Plus vite vous y arriverez, plus vite vous finirez. Plus vous y arrivez lentement, plus votre queue est longue.
(Plus tard dans l'interview)
« De nombreux développements ont eu lieu avant que nous concluions des accords. Et (maintenant) à cause de ce putain de TikTok, tout le monde se fait considérer comme des données et dit « oh merde, contrat d'enregistrement ! » et ce n'est pas le cas. C'est être dans une ambulance et arriver sur les lieux d'un accident, voilà ce qui se passe.
Ces quelques années de développement : réussir, se tromper, ne pas subir de pression sur l'opinion des gens, alimenter en direct la narration et être capable de vendre un billet plutôt qu'un like ou un stream. C'est du travail. Je ne sais pas si les gens ont un peu peur de ce travail qu'il faut faire pour être artiste. Pour construire votre communauté à l’extérieur, depuis votre chambre. Parce que c'est à cela que ressemble une carrière…
(Plus tard dans l'interview)
« La musique d'aujourd'hui est le catalogue de demain. Et je ne veux pas faire partie de la partie la plus anémique de l’histoire. Quand les archéologues viennent et demandent « que s'est-il passé à cette période ? »… et vous répondez : « Que s'est-il passé ici ? Ouais, TikTok. Les gens s’en foutaient. '
La musique d'aujourd'hui est le catalogue de demain, et le catalogue de loisirs devrait vivre 10, 20, 30, 40, 50, 60 ans. Je ne sais pas au cours des cinq ou huit dernières années si nous avons tous fait cela… Il n'y a pas assez d'inspiration et de créativité en ce moment.
La capacité d’aller longtemps, c’est de continuer à produire des disques qui engagent et reflètent, et qui peuvent vivre. Et des gens qui ont des personnages avec lesquels les gens peuvent interagir. Et les gens ont besoin de temps pour découvrir qui ils sont. Il y a cette brillante artiste Lola Young, et j'ai vu beaucoup d'itérations d'elle au fur et à mesure qu'elle sortait de la musique, et cela me dit simplement que vous vous développez à l'air libre, alors que cela aurait dû prendre deux ou trois ans. hors du radar…
À mesure que la technologie évolue, l’art doit rester étonnant. On ne va pas à la galerie pour voir de l'art ordinaire. On ne va pas au football pour voir des footballeurs ordinaires. Alors pourquoi diffuser de la musique ordinaire par des gens ordinaires ?