Ceci est la couverture médiatique de Music Ally Connect 2026 – notre conférence internationale sur le secteur de la musique qui aura lieu les 22 et 23 janvier 2026 à Londres.
L'indépendance était l'un des thèmes clés de notre conférence Music Ally Connect la semaine dernière, se manifestant fortement lors des sessions mettant en vedette des managers musicaux.
Niamh Byrne, cofondatrice d'Eleven Management et présidente de MMF vendredi, Steve Lamacq, présentateur de Live et co-animateur de The Price of Music, a accordé une interview principale pour parler de ce qu'elle a appris d'une carrière auprès d'artistes tels que Blur, Gorillaz, The Clash et Bastille, ainsi que des principaux changements et perturbations.
« La direction exige deux choses. La première est la confiance absolue : vous devez savoir que votre manager vous soutient. Que si vous voulez sombrer dans le processus créatif d'écriture d'un disque, vous devez être capable de sortir de votre trou et de savoir que quelqu'un vous tient, que les choses sont prises en charge », a-t-elle déclaré.
« Et la vision est une autre chose. Quand quelqu'un creuse un tunnel et s'engage dans ce genre de processus, vous devez essentiellement avoir une vision de l'endroit où cela va aller. Vous devez connaître cette destination pour que, lorsqu'il sera prêt, vous puissiez l'y emmener. C'est le truc. »
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Byrne a expliqué comment la gestion musicale a changé depuis ses débuts dans les années 1990, y compris un avertissement selon lequel « beaucoup d'expérience a peut-être été retirée de l'industrie » à mesure que les « personnes incroyables et extraordinaires » avec lesquelles elle a travaillé plus tôt dans sa carrière sont parties.
« Nous avions l'habitude d'entrer dans un label il y a des années, et vous étiez le manager, vous faisiez les affaires, et tout le monde facilitait le travail. Et il y avait un niveau de service incroyable, mais cela a en quelque sorte été réduit. Le rôle de direction assume désormais bien plus qu'auparavant, et c'est désormais nous qui effectuons la part du lion du travail.«
Byrne a souligné qu’il existe encore des labels « incroyables » avec lesquels travailler, mais a déclaré que ce n’est « que la réalité » – ce qui a incité Lamacq à se demander pourquoi les managers continuent de recruter leurs artistes sur des labels dans ce climat.
« Le financement est un problème majeur pour la direction. Aujourd'hui, les managers pourraient probablement tout faire. Il est même possible d'approvisionner l'ensemble de votre propre chaîne d'approvisionnement. Mais malheureusement, le financement est très difficile, donc les gens dépendent toujours des modèles de financement traditionnels », a déclaré Byrne.
« Si vous n'obtenez pas de valeur de la part des personnes avec lesquelles vous concluez ces accords, vous allez être frustré parce que cela ne correspond pas au niveau de travail que vous effectuez. Mais malheureusement, à l'heure actuelle, il y a très peu d'autre chose (à choisir). »
Le prochain album de Gorillaz emprunte un chemin différent, auto-édité, avec l'équipe d'Eleven Management « faisant tout, des campagnes marketing à la stratégie numérique en passant par la gestion des données et la gestion des fans jusqu'à la production » pour la campagne mondiale.
Lorsque les labels sont impliqués, Byrne a suggéré qu'il est souvent souhaitable qu'ils confient le budget marketing et la stratégie d'un projet à la société de gestion.
« Non pas parce que je pense que les labels n'ont pas de rôle à jouer. Je pense simplement que les managers sont les mieux placés pour bien faire ce travail. Nous n’avons pas de très grandes listes à nous contenter. Nous avons des effectifs plus petits et nous pouvons faire durer les budgets beaucoup plus longtemps », a-t-elle déclaré.
« Nous sommes beaucoup plus efficaces avec l'argent que nous recevons. Il n'y a pas de gaspillage et nous avoir pour réussir », a-t-elle déclaré. « Je suis très passionnée par ce que les gestionnaires de valeur ajoutent, et je pense que cela s'étend également au catalogue. C'est une chose d'acquérir un catalogue, et c'en est une autre d'ajouter de la valeur. Pensez que les managers ajoutent une valeur considérable au catalogue.
« C'est là ma grande frustration : les managers sont toujours payés en partant du principe qu'ils ne sont que des négociateurs. C'est ce qu'ils faisaient… »
Niamh Byrne
Le MMF a publié une étude sur la valeur économique des managers pour l'industrie musicale britannique : 714 millions de livres sterling par an, chaque livre sterling investie dans les managers générant 8 livres sterling pour l'ensemble du secteur. Cela a également lancé une discussion sur la question de savoir s'il existe de meilleurs moyens pour les managers d'être payés et récompensés que les accords traditionnels de « 20 % des revenus » avec les artistes.
« C'est là ma grande frustration : les managers sont toujours payés en partant du principe qu'ils ne sont que des négociateurs. C'est ce qu'ils faisaient avant : ils concluaient des marchés et ils ne faisaient rien d'autre. Aujourd'hui, les managers font tout… mais cela ne se voit ni ne s'entend, et cela n'est certainement pas valorisé de la même manière », a-t-elle déclaré.
Une autre question politique sur laquelle le MMF s'est exprimé est celle de la musique IA, et en particulier les accords de licence signés par les labels avec les sociétés d'IA. Byrne a averti que les artistes (et par extension les managers) devraient être davantage impliqués dans ce processus qu’ils ne l’ont été jusqu’à présent.
« Nous ne pouvons pas arrêter l'IA. L'IA va se produire, et il pourrait bien y avoir dans le futur d'autres modèles de rémunération issus de l'IA : les gens vont s'engager dans la musique d'une manière qu'ils ne font peut-être pas maintenant, et nous l'acceptons », a-t-il déclaré.
« Cependant, ce sont toujours les artistes qui semblent s'en sortir mal dans ces situations. Si nous voulons faire quelque chose qui soit vraiment axé sur l'avenir et être très concentrés sur la façon dont nous façonnerons notre entreprise à l'avenir, nous avons vraiment besoin d'avoir des artistes à la table. »
« Il y a tellement de façons de sortir de la musique de nos jours. Il y a des gens qui publient eux-mêmes de la musique, qui concluent des accords de distribution, des labels indépendants, des majors… Donc il ne peut pas s'agir uniquement d'une partie de l'industrie qui discute au nom des artistes… Il existe de grandes opportunités, mais nous devons travailler ensemble.«
Le discours s'est terminé sur une note positive, Byrne expliquant où surviennent les moments de joie dans la relation entre un manager et un artiste.
« La joie partagée est de pouvoir contrôler sa musique et de sortir sa propre musique comme on le souhaite, sans aucune contrainte. C'est une joie absolue », a-t-elle déclaré, faisant encore référence au prochain album de Gorillaz.
« C'est vraiment très excitant pour quiconque se trouve dans une situation privilégiée où l'on peut s'auto-libérer. C'est là que les artistes peuvent potentiellement être beaucoup plus expérimentaux et beaucoup plus fous, et repousser les limites. C'est une histoire vraiment positive. »
Cela maintient également les managers sur leurs gardes, a-t-elle admis. « Vous ne survivrez pas en tant que manager si vous ne savez pas vous adapter. Nous apprenons quelque chose de nouveau tous les six mois », a déclaré Byrne. « Vous n'avez pas la possibilité de vous reposer sur vos lauriers : vous êtes responsable de la carrière et des moyens de subsistance de toutes ces personnes, et vous devez réussir. Nous ne pouvons donc pas rester les bras croisés. »
Plus tard dans la journée, à Music Ally Connect, d'autres managers ont eu leur mot à dire. Un panel animé par Nick Maiale, PDG de Jump Global, comprenait Martha Earls, propriétaire/gérante de Neon Coastet Will Bloomfield, co-président et responsable de la gestion mondiale des artistes chez Tap Music.
Earls a poursuivi le fil lancé par Byrne sur la façon dont les responsabilités ont changé au sein de l'industrie au cours de la dernière décennie.
« Une grande partie de la stratégie marketing repose désormais sur les épaules de l'artiste et donc, à son tour, sur le manager.« , a-t-elle déclaré. « Je ressens une pression accrue pour créer moi-même un plan marketing, ce qui prend du temps et est difficile. »
Bloomfield a noté que l'ampleur de cette tâche s'est également accrue au cours des dix dernières années.
« Il y a encore cinq ans, les canaux étaient beaucoup plus restreints en termes de promotion et de déploiement de campagnes marketing », a-t-il déclaré.
« Ce qui a définitivement changé, et qui constitue un défi, c'est la quantité d'informations que nous devons absorber. Nous disposons de nombreux outils, mais il y a beaucoup d'informations, et je suis toujours conscient que nous voulons prendre les bonnes décisions. »
« Nous devons examiner toutes les mesures disponibles, toutes les données disponibles dont nous disposons, puis être en mesure de les distiller de manière significative. Je n'ai pas besoin de plus de tableaux de bord ! Ce que j'aimerais, c'est de l'aide et du soutien pour prendre les bonnes décisions… Cela peut être très difficile lorsque vous recevez autant de signaux provenant de nombreux domaines différents.
Earls a parlé d'un autre défi pour lequel les gestionnaires ont besoin d'aide : « développer nos artistes là où nous constatons un intérêt sur d'autres marchés internationaux ».
« Un peu d'aide et de conseils de la part de quelqu'un sur ce territoire pour aider à les développer d'une manière réellement significative et logique », a-t-elle expliqué. « Je peux supposer que je sais quoi faire en Asie du Sud-Est, mais ce serait vraiment utile de avoir Quelqu’un en Asie du Sud-Est me dit quoi faire ! »
Earls a également parlé de son amour pour tester de nouveaux outils et technologies – même s'ils en sont si tôt que « chaque petit bug n'a pas été corrigé… J'aime que les gens viennent nous voir. Laissez-nous être votre petit cobaye… parce que vous ne savez jamais ce qui fonctionnera ! »
Bloomfield est revenu sur le défi de l'expansion internationale, et en particulier sur la manière dont les managers en démarrage l'abordent.
« J'aimerais voir plus d'investissements et avoir plus d'aide au début de carrière d'artiste en tournée internationale», a-t-il déclaré.
« Avec la hausse rapide des coûts et la nature du secteur, je ne vois pas comment des managers particulièrement jeunes ou inexpérimentés – qui n'ont pas le même niveau de relations que nous avons la chance d'avoir ou les leviers sur lesquels nous pouvons agir – pourraient faire sortir leurs artistes de leur territoire national. »
« Tous les autres secteurs de l'industrie ont tellement changé, et pourtant nous entendons toujours 'oui, mais c'est comme ça que ça a été fait, donc c'est comme ça' »
Will Bloomfield
Le panel a également abordé ce à quoi ressemble le succès pour les artistes : «Gagner de l’argent, c’est bien ! Mais au delà je dirais longévité de carrière: quand vous pouvez travailler avec un artiste et savoir que vous ne construisez pas un moment, vous construisez une carrière avec longévité », a déclaré Earls – et également à propos du paysage émergent des accords de musique avec l'IA.
« En ce qui concerne un artiste comme (son client) Kane Brown, qui est mondialement connu et connaît un énorme succès, cela se résume à une autorisation », a déclaré Earls.
« S'il est utilisé ou si un travail dérivé est réalisé, il doit être capable de dire oui ou non à cela. Je pense que c'est aussi simple que cela. Même lorsque les éditeurs présentent une chanson, s'ils y mettent une voix d'IA Kane Brown, cela m'énerve ! Vous n'avez pas la permission de faire ça… tout se résume à la permission. «
Le panel a terminé en regardant vers l'avenir, Earls et Bloomfield présentant leurs listes de souhaits sur ce à quoi pourrait ressembler l'industrie dans cinq ans.
« J'aimerais que les contrats avec les artistes soient moderniséset j’aimerais que les sociétés de gestion qui fournissent des services auxquels les labels fournissent traditionnellement – pas du côté des artistes, mais peut-être du côté du label – aient une partie de cette participation », a déclaré Earls.
Bloomfield a également abordé l'aspect de l'évolution des contrats, affirmant qu'il aimerait voir davantage de soutien pour les managers concluant des « contrats de gestion d'artistes non traditionnels ».
« Il n'y a rien de mal, dans certains cas, avec la traditionnelle 20% / 10% du montant brut. Mais le revers de la médaille est toujours 'c'est comme ça que ça a toujours été fait, donc c'est comme ça que ça se fait, et c'est comme ça que ça va continuer à se faire' », a-t-il déclaré.
« Mais tous les autres secteurs de l'industrie ont tellement changé, et pourtant nous entendons toujours 'oui, mais c'est comme ça que ça a été fait, donc c'est comme ça'. J'aimerais voir cela mis sur la table et vraiment remis en question, parce que nous sommes les partenaires des artistes, en tant que managers. «
« Je ne dis pas que nous devrions avoir des droits à perpétuité. Bien sûr que non ! Mais nous devrions créer des entreprises avec des artistes, et nous devrions être rémunérés à la hauteur de cela. »
Un grand merci à nos sponsors de l'événement Connect 2026 AudioSalad, Innovate UK, Kobalt et Musixmatch – et à tous nos nombreux autres sponsors partenaires, pistes, cordons, support, alliés et réception.
